תוכן עניינים:

שמלות מפורסמות בציור, לפיהן ניתן לשפוט מה הייתה אופנת התקופה
שמלות מפורסמות בציור, לפיהן ניתן לשפוט מה הייתה אופנת התקופה
Anonim
Image
Image

מאז ומעולם אמנות ואופנה השפיעו זה על זה, מה שאילץ את המבקרים והאופנתיות לעקוב מקרוב אחר טרנדים חדשים שמחליפים זה בזה בחיפזון. ובעוד חלקם העריכו את התמונה מבחינת המאפיינים הטכניים, אחרים רצו אל החייטים על מנת לקבל בקרוב שמלה בדיוק כמו זו של הגיבורות המתוארות על הבדים.

1. רנסנס

קדושה של קתרין הקדוש, לוקאס קראנאך. / צילום: nevsepic.com.ua
קדושה של קתרין הקדוש, לוקאס קראנאך. / צילום: nevsepic.com.ua

הרנסנס היה זמן של תחייה תרבותית ואמנותית כאשר הקלאסיציזם חזר מהפכני לחברות אירופיות. עם זאת, בתקופה זו נרשמו גם שינויים משמעותיים באופנה. ראו כיצד השמלות המפורסמות בציורים השפיעו על אופנה בתקופת הרנסנס.

דיוקן הזוג ארנולפיני, יאן ואן אייק, 1434. / צילום: educacion.ufm.edu
דיוקן הזוג ארנולפיני, יאן ואן אייק, 1434. / צילום: educacion.ufm.edu

"דיוקן הזוג ארנולפיני" מאת יאן ואן אייק הוא אחד המרכיבים העיקריים בחקר הבד בציור דיוקן. בגד הצמר בצבע ירוק אמרלד והשרוולים מרופדי הארית מדגימים מעמד משפחתי, שכן רק עשירים יכלו להרשות לעצמם בד מסוג זה. צמר, משי, קטיפה ופרווה היו נדירים ויקרים יותר לייצור מאשר כותנה או פשתן, והיו סמל למעמד ועושר. אחת השאלות השנויות במחלוקת סביב הציור היא האם האישה המתוארת (ככל הנראה אשתו של ארנולפיני) בהריון. חצאיות הרנסנס היו כה שופעות וכבדות עד שנשים הרימו אותן כדי להקל על התנועה.

ספר השעות המפואר של דוכס ברי, אחי לימבורג, 1412-16 / צילום: digitalmedievalist.com
ספר השעות המפואר של דוכס ברי, אחי לימבורג, 1412-16 / צילום: digitalmedievalist.com

הקפלים המעוקלים של השמלה מלמדים גם על מגמה לתיאור נשים עם בטן בולטת, שכן היא רמזה להרות ילדים במהלך הנישואין. דוגמה נוספת לכך היא Les Très Riches Heures du Duc de Berry של האחים לימבורג. בשתי התמונות נשים מתוארות עם בטן מעוגלת יותר. ספר השעות המפואר של דוכס ברי מתאר חתונה, והוא דומה לדיוקן של ארנולפיני, שכן שתי הנשים מקרינות דימוי של אמהות לקראת ההריון. מבלי להסתכל על הציור מנקודת מבט מודרנית, אפשר לראות בו תיעוד של מה שהנשים לבשו ומה חשוב לאנשים להראות לאחרים.

2. תקופות הבארוק והרוקוקו

הנסיכה אליזבטה אספרובנה טרובצקאיה, פרנץ סאבר ווינטרלטר. / צילום: ru.wikipedia.org
הנסיכה אליזבטה אספרובנה טרובצקאיה, פרנץ סאבר ווינטרלטר. / צילום: ru.wikipedia.org

תקופות הבארוק והרוקוקו מאופיינות בעיצוב משובח, דקדנטיות ושובבות. נטיות אלה באו לידי ביטוי לא רק באמנות, אלא גם באופנה באמצעות קישוטים מורכבים ושמלות מפוארות. תסתכל על כמה מהשמלות המפורסמות בהשראת אמנות.

תשומת הלב של אמן לא ידוע לפרטים וללבוש היא מה שהופך את אליזבת קלארק פריק (גברת ג'ון פריק) ומרי הקטנה לתיעוד חשוב של הפוריטנים בניו אינגלנד. במראה זה, אליזבת לובשת בדים ואביזרים אמריקאים משובחים משנות ה -1600. צווארון התחרה הלבן שלה מצביע על התחרה האירופית הפופולרית שנמצאה בקרב נשים אריסטוקרטיות. תחפושת קטיפה רקומה בזהב נראית מתחת לשמלתה, וסרטים מעטרים את השרוולים. כמו כן, לאישה יש תכשיטים: שרשרת פנינים, טבעת זהב וצמיד נופך, אשר בתורו מדבר על מעמד ושגשוג. ציור זה מציע נקודת מבט ייחודית על חייה הפוריטניים של אליזבת ומשפחתה.

אליזבת קלארק פריק (גברת ג'ון פריק) ומרי הקטנה, אמנית לא ידועה, 1674. / צילום: pinterest.com
אליזבת קלארק פריק (גברת ג'ון פריק) ומרי הקטנה, אמנית לא ידועה, 1674. / צילום: pinterest.com

כמו כן ראוי לציין את העובדה שהאמן הצליח לערבב באומנות דימויים של עושר בסביבה צנועה. הציור מציג בבירור את עושרה של אליזבת, ומדגיש את הביגוד והתכשיטים הטובים ביותר שלה. זה גם משקף את עושרו של בעלה, ג'ון פריק, שיכול היה להרשות לעצמו לממש את כל גחמתה של אשתו על ידי רכישת תלבושות ותכשיטים מסוגים שונים.בנוסף, התמונה מסמלת את יחס התודה הפוריטני שלהם לאלוהים, מכיוון שללא ברכתו לא היה יכול להיות להם מותרות כאלה.

הנדנדה מאת ז'אן אונורה פראגונארד היא דוגמה לסגנון הרוקוקו בחוגי האצולה הצרפתיים. הציור הוזמן באופן פרטי כשחצר צרפתי ביקש מהאמן לצייר את דיוקנו שלו ושל פילגשו. למרות העובדה שהציור נשמר בדלתיים סגורות, הוא חושף את המותרות, קלות הדעת והאופי הסודי של חצר המלוכה הצרפתית.

סווינג, ז'אן אונורה פראגונארד, 1767. / צילום: hashtagtravelling.com
סווינג, ז'אן אונורה פראגונארד, 1767. / צילום: hashtagtravelling.com

השמלה הוורודה הפסטלית בולטת בין הגן השופע ומהווה את מרכז העניינים. ז'אן ציירה את השמלה במשיכות מכחול רופפות המחקות את החצאיות הרחבות ואת מחוך המעוגל של שמלתה. המברשת הרופפת שלו תואמת את העלילה של סצנת הגן האידילית הזו מלאה בדימויים פלרטטניים וגחמניים.

גלימת א לה לה פרנס, תוצרת צרפת במאה ה -18, 1770. / צילום: google.com
גלימת א לה לה פרנס, תוצרת צרפת במאה ה -18, 1770. / צילום: google.com

ציורו מציג גם את המגמות שנקבעו בחצר הצרפתית לאופנה. רוקוקו התעלה על אופנה, אמנות ואדריכלות כדי ליצור משהו צרפתי ייחודי. אופנת הרוקוקו כללה את הבדים המפוארים ביותר, כולל משי בצבע פסטל, קטיפות, דוגמאות תחרה ופרחים, כמו גם כמות מוגזמת של קשתות, אבני חן, סלסולים וקישוטים לקישוט ליצירת מראה שחצנים ואורחים היו מתכרבלים עליו. בעלי הראש. סגנון הגדיר את ההבדל בין העניים לעשירים, שכן האצולה יכולה להרשות לעצמה את המותרות של בדים וקישוטים מעולים. לנשים הלובשות את התלבושות בהשראת הרוקוקו, הציור הוא התגלמותו של חצר המלוכה הצרפתית לפני המהפכה.

3. שמלות מפורסמות בציורי המאה ה XIX

סימפוניה בלבן מס '1, ג'יימס אבוט מקניל וויסלר, 1862. / צילום: post.naver.com
סימפוניה בלבן מס '1, ג'יימס אבוט מקניל וויסלר, 1862. / צילום: post.naver.com

במאה ה -19 חל שינוי אמנותי מהניאו -קלאסיזם למודרניזם המוקדם, ופינה את מקומו לסגנונות ולאסכולות חשיבה. גם במאה זו חל שינוי באופנה. המשך לקרוא כדי לראות כיצד הציורים השפיעו על הופעתן של שמלות וסגנונות מפורסמים שהיו מודרניים יותר באופן ניכר מבעבר.

אמנות לאמנות נקשרה לסימפוניה בלבן מס '1 מאת ג'יימס אבוט מקניל וויסלר, שהתכוון להעניק לציור משמעות רוחנית. המבקרים, לעומת זאת, לא ראו את כל זה, שכן הציור תיאר את פילגשו של האמן, לבושה בשמלה לבנה בהירה. כתוצאה מכך הפך הדיוקן הזה לשערורייתי. במהלך המאה ה -19, בגדי נשים כללו לעתים קרובות תחתון קרינוליני עשוי פלדה. נשים גם לבשו מחוכים בין מגוון פריטי הלבשה תחתונה אחרים על מנת שתוכל ליצור חצאיות רחבות יותר.

"האישה בלבן" הוא ההפך הגמור ממה שהיה אופנתי ובעל פרופיל גבוה באותה תקופה. השמלה של הדמות הראשית המתוארת בתמונה הייתה מעין תחתונים שבעל או מאהב יכולים לראות, כיוון שהאמינו כי קל מאוד להוריד בגדים כאלה. עבור ויסלר המוזה שלו הייתה אמורה להיות חלק מסצנה שנעימה לעין. הוא הציג את היפרנן כפי שראה אותה, ולצופים באותה תקופה התמונה הייתה מבלבלת וקצת מגונה. עם זאת, עם הופעת 1900, שמלה כזו הפכה לנורמה ללבוש יומיומי.

משמאל לימין: דיוקן מיס לויד, ג'יימס טיסו, 1876. / דיוקן קתלין ניוטון, ג'יימס טיסו, 1878. / צילום: pinterest.ru
משמאל לימין: דיוקן מיס לויד, ג'יימס טיסו, 1876. / דיוקן קתלין ניוטון, ג'יימס טיסו, 1878. / צילום: pinterest.ru

ג'יימס טיסו יצר ציורים רבים המתארים אופנת נשים בסוף המאה ה -19. הוא הקדים את האופנה האירופית וידוע בציור נושאיו מתוך מחשבה על מגמות האופנה האחרונות. אופנת הנשים החלה להשתנות בקרב הצעירות בפריז ובלונדון בסוף המאה ה -19. החצאיות הרחבות והכבדות של קודמיהם הוויקטוריאנים הוחלפו בחצרות צרות יותר עם קפלים נפוחים מאחור.

דיוקן מאדאם איקס, ג'ון זינגר סרג'נט, 1883-84 / צילום: ru.wikipedia.org
דיוקן מאדאם איקס, ג'ון זינגר סרג'נט, 1883-84 / צילום: ru.wikipedia.org

בציור "מיס לויד", הגיבורה לבושה בשמלה כפי שנלבשה בחברה באותה תקופה, תוך שימת דגש על המותניים הצרות ודמות שעון החול. "דיוקן קתלין ניוטון" (בן לווייתו דאז) הוא ההפך הגמור מדמותה של מיס לויד.האמנית גילמה אישה בשמלה כאילו היא מקרינה נחישות ופיתוי. עם זאת, לשתי הנשים יש קסם מיוחד ומסתורין משלהן המקיפות אותן. השמלה עצמה מסמלת את ההבדלים בתרבות הפופולרית באותה תקופה. תמונה אחת היא מסורתית וקונבנציונלית, ואילו התמונה השנייה אינטימית ושערורייתית לצופים בשנות ה -1900.

ג'ון זינגר סרג'נט יצר את דמותה של אישה, שלמרות שאינה מקובלת בתקופתו, הפכה לאחד מציוריו המוכרים והנערצים ביותר. זהו דיוקן של מאדאם וירג'יני גוטראו, יופי אמריקאי מעורב בחברה הגבוהה הצרפתית. הדבר גרם לשערורייה כזו עד שג'ון עצמו נאלץ לעזוב את פריז ללונדון.

שמלת ערב של Hoschede Rebours, 1885. / צילום: metmuseum.org
שמלת ערב של Hoschede Rebours, 1885. / צילום: metmuseum.org

המחוך שלה מכוון מאוד לכיוון הבטן התחתונה. צוואר V חד ועמוק ורצועות כתף מחרוזות בקושי מכסות את הכתפיים וחושפות את מה שנחשב לחלקים אינטימיים של אישה, שאינם מתאימים לתצוגה בפומבי. לאחר שסרג'נט הציג את הציור בסלון פריז של 1884, הוא עורר זעם מצד המבקרים והצופים, מכיוון שלא ראוי שאישה נשואה מהמעמד הגבוה תהיה בצורה כל כך פרובוקטיבית. לקהל בסלון נראה היה שגיבורת התמונה לובשת תחתונים, לא שמלה. המוניטין של גוטראו בעיני אנשים החל לרדת לאפס, כי רבים ראו בה אדם מגונה. בסופו של דבר הסירה סרג'נט את שמה מהדיוקן, ושנה את שמו "מאדאם איקס".

4. שמלות מפורסמות בציורי המאה העשרים

אדל בלוך-באואר, גוסטב קלימט, 1907. / צילום: mariapaulazacharias.com
אדל בלוך-באואר, גוסטב קלימט, 1907. / צילום: mariapaulazacharias.com

האמנות במאה העשרים התמקדה בהפשטה וביטוי, ועברה שינויים משמעותיים עם סגנונות ונושאים חדשים. זה גם הוביל לחקר צורות חדשות וסינתזות של אופנה ואמנות. כאן מוצגות השמלות המפורסמות המופיעות בציורים במהלך המאה העשרים.

שמלת הזהב של אדל בלוך-באואר בולטת משאר לבוש החברה הגבוהה של זמנה. במקום להציג אשה מהמעמד הגבוה המתרגע בגינה או קוראת על הספה, קלימט הופך את אדל לדמות מעולם אחר. שמלתה היא דמות מסתחררת מלאה במשולשים, עיניים, מלבנים ואיקונוגרפיה. אין סימנים של מחוכים ישרים או שכבות בגדים. מודרני מכיל נושאים של טבע ותמונות מיתיות. זה חל גם על אופנה בוהמית, שגוסטב עצמו לבש והשתמש בה בציורים שונים אחרים.

אמילי פלגה וגוסטב קלימט בגינת הוילה, 1908. / צילום: twitter.com
אמילי פלגה וגוסטב קלימט בגינת הוילה, 1908. / צילום: twitter.com

לעתים קרובות צייר רישומים שיצרה מעצבת האופנה אמילי פלגה. היא לא ידועה בעולם האופנה כמו בני זמניה או קודמיה, אך היא הצליחה ביצירת אופנה לנשים בזמנה. לפעמים זה היה שיתוף פעולה, שכן גוסטב השתמש בשמלותיה המפורסמות בהרבה מציוריו האחרים.

לה מוסיקיין, תמרה למפיקקה, 1929. / צילום: bloombergquint.com
לה מוסיקיין, תמרה למפיקקה, 1929. / צילום: bloombergquint.com

תמרה למפיקה יצרה דיוקנאות שבדקה את הנשיות והעצמאות בשנות העשרים. אמנית הארט דקו התפרסמה בזכות דיוקנאותיה של מפורסמים שבדקו את צורת הקוביזם המסוגננת והמלוטשת שהפכה לסימן ההיכר שלה. אירה פראולט (חברה קרובה וככל הנראה פילגש של למפיקי) נתפסת כביטוי מילולי של המוזיקה בלה מוסיקיין. מה שגורם לתמונה להתבלט הוא תיאורה של שמלה כחולה. טכניקת הטלת הצללים הקשה של תמרה עם לוח הצבעים העשיר שלה נותנת תנועה לשמלה כך שנראה שהיא מרחפת באוויר. שולי השמלה הקצרים והקפלים הזורמים עדיין מזכירים את אופנת שנות העשרים שהייתה נקודת מפנה באופנת הנשים. נשים לבשו שמלות שחשפו את הרגליים והידיים, וחצאיות קפלים שהקלו על הריקוד.

תמרה קיבלה השראה ולמדה על ידי אדוני הרנסנס והשתמשה בנושאים דומים בגישה מודרנית. באופן מסורתי ניתן לראות כחול על שמלותיה של מרים הבתולה בציורי ימי הביניים או הרנסנס. כחול אולטרה -מריני היה נדיר ושימש לציורים משמעותיים.

שתיים פרידה, פרידה קאלו, 1939. / צילום: wordpress.com
שתיים פרידה, פרידה קאלו, 1939. / צילום: wordpress.com

בדים מקסיקניים צבעוניים ובעבודת יד שזורים בעבודתה של פרידה קאלו. היא אימצה את הבגדים הללו כחלק ממורשתה ולבשה אותם בדיוקנאות עצמיים ותצלומים. השמלות המפורסמות המופיעות ב- The Two Fridas מסמלות את קשריה לשני צידי המורשת האירופית והמקסיקנית שלה.

פרידה משמאל משקפת את גידולה במשפחה ממעמד הביניים הגבוה. אביה היה במקור מגרמניה, וחיי הבית בילדותו הכילו מנהגים מערביים. התחרה הלבנה של השמלה מסמלת את הסגנון הפופולרי באופנה האירופית. הגרסה המערבית הזו מנוגדת לרצונה של הימנית פרידה לאמץ את המורשת המקסיקנית שלה בלבוש שמלה מסורתית. הבגדים האלה הם דבר שבעלה דייגו ריברה עודד, במיוחד במאבקם לשנות את ארצם. השמלה הראתה את גאוותה בלבישת בגדים מקומיים ומסורתיים ממקסיקו.

הלבוש של קאלו הוא היבט חשוב בחייה ועבודתה. לאחר שחלתה בפוליו בילדותה ורגל אחת נעשתה קצרה יותר מהשנייה, חצאיות צבעוניות הפכו לדרך להסתיר את רגלה באופן שיגן עליה מפני בדיקה. ארון הבגדים של האמן כלל שמלות טהואנה, חולצות huipil, ריבוזו, כיסויי פרחים ותכשיטים עתיקים. פריטי הלבוש האלה לקאלו מהווים המחשה לאהבה, לכאב ולסבל שלה, אותם כללה ביצירתה.

על אודות, כיצד השתנה הקימונו לאורך מאות שנים ואיזה תפקיד מילאה באמנות ובאופנה מודרנית, קראו את המאמר הבא.

מוּמלָץ: