כיצד הפכו ציורים של אמנים מפורסמים לחלק מהאופנה, ועיצבו סגנון חדש של המאה העשרים

2024 מְחַבֵּר: Richard Flannagan | [email protected]. שונה לאחרונה: 2023-12-16 00:05

הקשרים בין אמנות לאופנה מגדירים רגעים ספציפיים בהיסטוריה. שני המדיומים הללו משקפים שינויים חברתיים, כלכליים ופוליטיים משנות העשרים השואגות עד שנות השמונים התוססות. להלן ארבע דוגמאות של אמנים ומעצבי אופנה שבעזרת עבודתם סייעו לעצב נקודת מבט חדשה על אמנות ואופנה מהמאה ה -20.

1. הלסטון וורהול: אחוות אופנה

החברות בין רוי הלסטון לאנדי וורהול הגדירה את העולם האמנותי. גם רוי וגם אנדי היו מנהיגים שסללו את הדרך להפוך את האמן / מעצב לסלבריטאי. הם הסירו את הסטיגמה היומרנית של עולם האמנות והביאו אופנה וסגנון להמונים. וורהול השתמש במספר פעמים בהדפסת משי כדי ליצור את התמונות. למרות שהוא בהחלט לא המציא את התהליך, הוא חולל מהפכה ברעיון של ייצור המוני.

רועי השתמש בבדים ודוגמאות פשוטים ואלגנטיים אך עם זאת זוהרים בשימוש בפייטים, אולטראס ומשי. הוא היה מהראשונים שהפכו את האופנה האמריקאית לנגישה ורצויה. שניהם הטביעו את חותמם הסופי באמנות ובסגנון לאורך שנות השישים, שנות ה -70 וה -80, שנמשך עד היום.

גם רוי וגם אנדי עבדו יחד על פרויקטים רבים ושונים. וורהול יצר קמפיינים פרסומיים שהציגו את הלבוש של האלסטון ואפילו את האלסטון עצמו. בתורו, הלסטון השתמש בהדפס הפרחוני של וורהול בחלק מקולקציות הבגדים שלו, החל משמלות ערב ועד ערכות פנאי.

רוי השתמש בדגמים פשוטים בבגדיו, מה שהפך אותם למוצלחים מאוד. הם היו נוחים ללבישה, אך היו להם גם מגע של פאר בזכות הבדים, הצבעים וההדפסים. וורהול גם פישט את החומרים והתהליך שלו. זה הקל על שחזור יצירותיו והפך אותן למכירות יותר.

להצלחה מסחרית היו אתגרים משלה לשני האמנים. הלסטון היה הראשון ששותף עם רשת הקמעונאות JCPenney בשנת 1982 וזה השפיע על איכות המותג שלו. וורהול זכה גם לביקורת, שכן עבודתו נתפסה כשטחית. עם זאת, שניהם חידשו את השימוש הקמעונאי והשיווקי שלהם בחללים המתאימים להם כדי ליצור מותגים למכירות בשוק ההמוני.

רוי ואנדי היו מבקרים תכופים בסטודיו 54. הם ערכו מסיבות, עיצבו והפיקו עבודות לסלבריטאים כמו ליזה מינלי, ביאנקה ג'אגר ואליזבת טיילור. כל זה בא לידי ביטוי ביצירתם כשהם השראה והגדירו את עידן הדיסקו של שנות השבעים.

הלסטון היה ידוע ביצירת בגדי ערב נוצצים. רועי הניח את הפייטים בצורה אופקית על הבד, ויצר אפקט נוצץ של החומר שהוא השתמש בו כדי ליצור תלבושות מפוארות אהובות על נשים זוהרות רבות.

סדרת נעלי האבק היהלומיות של וורהול ממחישה גם את חיי הלילה של סטודיו 54 והסלבריטאים החיים שם. אבק יהלום הוא מה שהוא השתמש בו על פני שבלונות או ציורים, ויוצר אלמנט עומק נוסף ליצירה. ונעליו היו במקור הרעיון לקמפיין הפרסומות של הלסטון. בכל מקרה, השניים הללו תרמו תרומה עצומה לאופנה, והותירו אחריהם חותם בל יימחה. ואכן, גם כיום, מעצבים מודרניים רבים מקבלים השראה מרעיונותיהם של אנדי ורועי, ויוצרים קולקציות מפוארות עם הד מהעבר.

2. סוניה דלאוניי: כאשר אמנות הופכת לאופנה

סוניה דלאוניי לא רק חוללה מהפכה בצורת קוביזם חדשה, אלא גם הציגה את הקשר בין אמנות לאופנה.הן דלאונאי והן בעלה היו חלוצים באורפיזם והתנסו בצורות שונות של הפשטה באמנות. היא הייתה הראשונה מסוגה שהשתמשה בסגנון אמנותי משלה ועברה לעולם האופנה באמצעות עיצובים, הדפסים או דוגמאות טקסטיל מקוריים שלה. היא זכורה יותר בזכות האמנות והקשר שלה עם בעלה מאשר באופנה. הסגנון שלה מילא תפקיד מרכזי בשנות העשרים, וקטלוג הבגדים שלה זכור יותר בזכות צילומים והתייחסויות לאמנות שלה מאשר לבגדים עצמם. מבחינת סוניה, היה ואין גבול בין אמנות לאופנה. מבחינתה הם אותו דבר.

היא פתחה את עסקי האופנה שלה בשנות העשרים, יצרה בגדים ללקוחות ועיצבה בדים ליצרנים. סוניה כינתה את הלייבל שלה סימולטני והלכה עוד יותר עם השימוש בצבע ובדוגמה בנושאים שונים. סימולטניות מילאה תפקיד חשוב ביצירתה, והטכניקה יוצאת הדופן שלה הזכירה טלאי טלאים או טקסטיל ממזרח אירופה: צבעים הונחו זה על זה, ודוגמאות שימשו ליצירת הרמוניה וקצב. הנושאים הנפוצים שלה כוללים ריבועים / מלבנים, משולשים וקווים או כדורים אלכסוניים - כולם חופפים בעיצובים השונים שלה.

דלאוניי הייתה צעירה בתקופה האדוארדיאנית, כאשר מחוכים והתאמה היו הנורמה. זה השתנה בשנות העשרים כאשר נשים החלו ללבוש חצאיות מעל הברך ובגדים רופפים ומתאימים. ניתן לראות היבט זה בעיצובים של Delaunay והיא התלהבה ליצור בגדים המתאימים לצרכי נשים. סוניה פיתחה בגדי ים שאפשרו לנשים להרגיש יותר בנוח, גם כאשר הן עוסקות בספורט ושחייה. היא הניחה את הדפסים שלה על מעילים, נעליים, כובעים ואפילו מכוניות, תוך שימוש בכל משטח כבד. העיצובים שלה יצרו חופש תנועה והבעה באמצעות צבע וצורה.

לאורך הקריירה היא ניסתה כל הזמן משהו חדש, וכתוצאה מכך עברה לקולנוע ולתיאטרון. סוניה עיצבה את התלבושות לסרט "הפריזאי הקטן" של רנה לה סומפטי, בעוד שבעלה עשה את התפאורה לסרט. היא חיבבה צורות גיאומטריות, שילבה בזריזות וערבבה ביניהן, ויצרה דוגמאות מוזרות וקווים שבורים שהפכו לסימן ההיכר שלה.

3. שיתוף פעולה בין אלזה שיאפארלי וסלבדור דאלי

האוונגרד של אמנות סוריאליסטית משולב עם מנהיג האופנה הסוריאליסטית. סלבדור דאלי ומעצבת האופנה אלזה שיאפרלי שיתפו פעולה והעניקו השראה זה לזה לאורך הקריירה. הם יצרו לוקים איקוניים כמו שמלת לובסטר, כובע הנעליים ושמלת הדמעות שהזעזעו את קהל ההשראה הן באמנות והן באופנה. דאלי ושיאפרלי סללו את הדרך לשיתוף פעולה עתידי בין מעצבי אופנה ואמנים, והגשר על הפער בין מה שנחשב לאמנות לבישה לאופנה. דאלי השתמש בלובסטרים כנושא שחוזר על עצמו בעבודתו והתעניין באנטומיה שלהם.

שמלת "עומר" היא יצירה משותפת של אלזה ודאלי, ויצירתם עוררה מחלוקות רבות לא רק ביום הופעת הבכורה שלה, אלא גם לאחר מכן. ראשית, יש לה גוף עליון וחצאית אורגנזה לבנה. התלבושת יוצאת הדופן ממש פוצצה את עולם האופנה, וגרמה למחלוקת רבה על הציון הזה. השימוש בבד לבן מנוגד גם לצבע האדום של הלובסטר. לבן יכול להיחשב כבתולי או לסמל טוהר בהשוואה לאדום, מה שיכול להיות נינוחות, כוח או סכנה.

שלדים הם נושא נוסף שנמצא באמנות סוריאליסטית והיו בשימוש בשיתופי פעולה נוספים בין דאלי לשיאפארלי. שמלת השלד הייתה הראשונה מסוגה. אלזה השתמשה בטכניקה הנקראת trapunto, שבה שתי שכבות בד נתפרות יחדיו, ויוצרות קו מתאר בו החדרת החבטות, ובכך יוצרת אפקט מוגבה.טכניקה זו יוצרת משטח מרקם על בד שטוח, ונותנת אשליה כי עצמות אנושיות בולטות דרך השמלה. הדבר עורר שערורייה מכיוון שהשמלה הייתה עשויה מחומר אלסטי שנדבק לעור. הפנטזיות של ציוריו ורישומיו של דאלי התגלמו בעולם הלא מציאותי של תלבושותיו של שיאפארלי, אשר יוצרים עד היום רושם בל יימחה הן על הצופים והן על המעצבים.

4. איב סן לורן: התנגשות האמנות וההשראה

היכן הגבול בין חיקוי להערכה? מבקרים, קהלים, אמנים ומעצבים התקשו לקבוע לאן עובר קו זה. אולם בכל הנוגע לאיב סן לורן, כוונותיו לא היו אלא חנופה והתפעלות מהאמנים והציורים שבהם השתמש כהשראה. במבט על תיק העבודות העצום שלו, סן לורן קיבל השראה מתרבויות ואמנות מרחבי העולם, אותם שילב בהצלחה בבגדיו.

למרות שאיב מעולם לא פגש את האמנים שנתנו לו השראה, זה לא מנע ממנו ליצור יצירות אמנות כאות לכבוד כלפיהם. לורן שאב השראה מאמנים כמו מאטיס, מונדריאן, ואן גוך, ז'ורז 'בראק ופיקאסו. הוא היה אספן אמנות ואסף ציורים של פיקאסו ומטיס, אותו תלה בביתו.

איב לקח חלק ממוטיבי האמנות והפך אותם לבגדים מהממים שעושים כבוד לכמה מהאמנים האהובים עליו. שנות השישים היו תקופה של מהפכה ומסחריות, עידן חדש של אופנה ואמנות. הפרויקטים של סן לורן זכו להצלחה מסחרית כשהחל לשאוב השראה מאמנות הפופ וההפשטה. בשנת 1965 יצר עשרים ושש שמלות בהשראת ציורים מופשטים של פיט מונדריאן. השמלות גילמו את השימוש של מונדריאן בצורות פשטניות ובצבעי יסוד נועזים. איב השתמש בטכניקה שבה לא נראו תפרים בין שכבות הבד, מה שעורר את הרושם שהבגדים הם חלק אחד שלם. סן לורן לקח את אמנותו של מונדריאן משנות העשרים והפך אותה לבישה יחסית לשנות השישים.

שמלות אופנה הן דוגמאות קלאסיות לסגנון שנות השישים. הם היו דומים לבגדים משנות העשרים שהיו פחות מוגבלים ובעלי שרוולים וקושי חשיפה החושפים כתמי עור גדולים. הצלליות המרובעות של סן לורן גרמו לנשים להרגיש קלילות וחופשיות. זה הוביל אותו גם להשראה מאמני פופ ארט כמו טום וסמן ואנדי וורהול. הוא יצר שורה של עיצובים בהשראת פופ ארט שהציגו צלליות וגזרות על בגדיו. זה היה על התגברות על המגבלות של הפשטה באמנות ועל מסחור של עיצוב. לורן הפגיש את שני הרעיונות הללו ליצירת בגדים לנשים הפנויים ומושכים לנשים מודרניות.

מעילי וינסנט ואן גוך של סן לורן הם דוגמה לאופן שבו איב שילב השראה של אמן עם כישרונות עיצוב משלו. בדומה לבגדיו האחרים, נושאים הקשורים לאמן לא הועתקו והודבקו על בגדיו של סן לורן. במקום זאת, הוא בחר להשתמש בהם כמקור השראה וליצור יצירות המשקפות את הסגנון שלו. הז'קט מהווה דוגמא לסגנון שנות ה -80, שנרקם בחמניות בסגנון הציורי של ואן גוך.

לורן שיתף פעולה עם מייסון לסאז ', מובילה בתחום רקמת אופנה עילית. מעיל "חמניות" רקום בחרוזים צינוריים. הפרחים מלאים בגוונים שונים של כתמים וצהובים. זה יוצר מרקם רב ממדי הדומה לטכניקה של ואן גוך ליישם צבע עבה על קנבס. ההערכה היא שזה אחד הפריטים היקרים ביותר בהוט קוטור שיוצרו ונמכרו אצל כריסטי בכמעט ארבע מאות אלף יורו. סן לורן סללה את הדרך ללבוש בגדים כיצירת אמנות בפני עצמה, ללא קשר לאופנה ולתקופת הזמן.

בהמשך הנושא, קרא גם אודות מה שהוביל את סאקו יאמאגוצ'י להצלחה, מה שהפך אותה לאחת המוזות האהובות ביותר על קנזו ויאמאמוטו.